Si eres de los que ya crucifica a Bon Jovi no sigas leyendo estas lineas. Si por el contrario 30 años de carrera profesional, 130 millones de discos vendidos y una tras otra gira de estadio te puede resultar tres razones de peso para detener tu mirada en este grupo, quizá estas lineas si te interesen. Digo esto por que no voy a entrar a debatir sobre los altibajos de la discografia de Bon Jovi. Voy a presentar "The ultimate collection", el nuevo disco recopilatorio de la banda de New Jersey. Crossroad fué el ultimo recopilatorio de la banda, allá por 1994. Ahora, acompañado de 4 temas inéditos, 26 canciones históricas repasan toda una época. Un flash back musical a toda una vida escuchando cacniones de Bon Jovi. Por lo tanto, y pese a no ser muy amigo de los recopilatorios, este disco me hace un tilín especial. Tal es el punto que este dia 11 de noviembre incluso voy a comprarme una entrada para asisitir por primera vez en mi vida, y tras desearlo durante muchos años, a un concierto de estadio de Bon Jovi.
Bon Jovi es una gran banda, durante los 80 y los 90 llegaron sus años mas dorados, y como no, sus mejores composiciones. Eso es indiscutible. Cierto es que camisas y pantalones de cuero no son suficientes para anclarse a esa época, e invitar al escenario a Rihana para tocar Livin on a player quizá no haya sido lo mas inteligente, y diga mucho de la tendencia que el grupo a adquirido en los últimos años, en los que ha sabido mantener cierto tirón comercial gracias a buenos singles aislados en tres discos de la actual década, de la que se podría extraer un buen disco eliminando muchos temas totalmente intranscendentes.
Uno de los primeros discos que me compre fué de Bon Jovi. Todavía recuerdo escuhar New Jersey op Keep the faith en el piso de mis vecinos, de algo mas de edad que yo. En el instituto, con 13 años me compre These Days, maravillado tras un Crossroad de grandes éxitos que he tenido que comprar dos veces y el cual he vuelto a perder. Nada mas acabar la selectividad me fui a comprar Crush, y a partir de ahi, el bajón de la banda sumado a las descargas digitales me han privado de seguir gastando dinero en esta banda. Miento, en la universidad compre The Crush Tour en DVD, que por cierto he visto miles de veces. Lo único que quiero decir es que Bon Jovi ha estado ligado a toda mi vida. Son muchos sentimientos reunidos en 26 canciones, grandísimos temas la mayoria de ellos. Sobre las 4 nuevas incorporaciones poco hay que decir. tienen su toque, marca de la casa, andan lejos de las primeras composiciones y se asemejan mas a la últimas, pero mantienen cierta energia. A mi esto me ha servido para desempolvar recuerdos, y para darme mi primera oportunidad para disfrutar de una banda emblemática en directo. Yo soy de los que aún defienden a Bon Jovi, y pese a que el resultado actual no es el mas deseado, apoyo a los de New Jersey en su faceta de uno de los mejores grupos de la historia, un icono musical como MTV este fin de semana quiso reconocerles.
Yo descubrí a Jimmy Eat World a la par que la mayor parte del público, allá por el 2000, con su Bleed American, y su colaboración en las bandas sonoras de American Pie, la saga de películas de humor que me han descubierto a muchos y muy distintos grupos. Se trata de una abnda america, con 16 años de historia y 7 discos a las espaldas. Ahora parecen mas calmados, menos emos o menos punkpoperos, mas minimalistas, melódicos y calmados. Invented no es para nada un mal disco, es mas maduro, ¿qué es la madurez?, ¿es buena la madurez? Por que a muchos grupos cuando les llega la madurez se les acaba la magia. Los de Arizona siempre han sabido tocar la fibra sensible, y su capacidad para crear grandes temas esta patente aqui muchos años depsués. Cierto es que Invented carece de pepinazos hit, se queda en esa supuesta madurez entre comillas. Es un concepto distinto de su música, pero a mi me ha convencido. JEW será capaz de hacer canciones como antaño, y cambiar de vez en cuando no es nada malo. Descubriras pues aqui la fibra sensible del grupo americano, dejando de lado riffs guitarreros para quedarse en la profundidad de melodias suaves mucho mas intimistas. Ni mejor, pero tampoco peor. Distinto. Un 6,5 sobre 10.
Soy un fan de Antonio Vega. Su muerte es para mi una de las pérdidas mas importantes de la cultura en general de este país en los últimos años. Lo digo así de claro. Salir de un concierto de Antonio Vega es como salir del País de nunca jamas, un cúmulo de sentimientos que transportan tu mente a otra parte. Sales abducido. He tenido la gran suerte de disfrutar de muchos conciertos de Antonio Vega, siempre en la Sala Galileo Galilei, vecian de mi antigua residencia, y siempre repetía. Creo haber acudido a todas sus convocatorias en Madrid en sus tres últimos años de vida. Pero no es cuestión de decir lo bueno que era ni nada de eso. Ese no es el propósito de este post. Mas de 10 veces lo he visto actuar, y nadie podrá, lógicamente, interpretar sus temas como él mismo hacia. Cantar como otros es muy dificil, aunque parezca muy fácil. Sin embargo esta propuesta me ha encantado. Los temas de un grupo interpretados por otros artistas es algo que ya se ha repetido muchas veces. Se hizo con Los Secretos, con Antonio Flores... y nunca he sido fan de esos discos. No me gustan. Esta vez es distinto. Quizá sea por la delicada elección de los temas, todo un acierto, o por los artistas que en el álbum intervienen. Otro gran acierto. Mezcla de artistas consolidados, y otros en auge, tema a tema se desgranan 15 maravillas del genial artista. Claro esta que unas han quedado mejor que otras. De 10 me parecen las versiones de Lori Meyers, Zoe, Amaral y Bunbury, dejándo mis favoritas para Lucha de gigantes de Love of Lesbian junto a Zahara, Quiero estar mejor, interpretada por Los Planetas y Tesoros, ejecutada por L.A. y Nena Daconte. Para mi gusto El sitio de mi recreo y Estaciones son destrozadas por Marlango y Bebe respectivamente, pero algo malo tenia que tener. Sidoni, Depedro, Calexico, Ivan Ferreiro, Shuarma, Napoleón Solo, Anni B Sweet y Shinoflow complemental el plantel. Todo son versiones. No busqueis la delicadeza estrema de Antonio Vega, tomaroslo como la reunión de una serie de grupos de lo mejor que tenemos en nuestro país para homenajear a un ser de sensacional sencillez, una aportación cariñosa de nuestro indie nacional para un artista respetado de la A a la Z, desde Amaral a Rosendo, pasando Ramonzin o Raphael. Siempre presente Antonio Vega.
Hay dos tipos de música. Estilos hay muchos, pero tipos de música solamente hay dos. La buena y la mala. Es así de sencillo. La mala no merece la pena definirla, pero la buena es aquella que proviere de ciertos compositores, talentos puros que viven la música como nadie, que meten horas y horas en hacer sus diseños sonoros. 8, 10, 12, 14 horas diarias con sus instrumentos, explotando su talento. Y cuando esas composiciones se dan a conocer pues no queda otro remedio que triunfar, y lejos quedan pues todos esos aficionados rompepistas que ponen algo de música en sus vinilos, o esos que tienen que pagar trabajos para poder trabajar. El talento unido al sacrificio es el camino mas rápido al éxito. Ha pasado desde siempre, le paso a Mozart, y hoy le pasa, a otro nivel, al señor Antony Hegarty (las comparaciones son odiosas) un especimen newyorkino que derrocha sensibilidad a raudales.
Antony ha demostrado ser un talento. Tiene melacolía en sus composiciones, interpretadas con tantísima sensibilidad que te absorve a otro mundo. Siempre se ha relacionado a este artista con su oscuridad, su travestismo, algo mitológico que ha sabido aprovechar para dar en el clavo. Ahora acaba de publicar Swanlights, y partiendo de que a mi me gusta menos que cualquiera de sus anteriores discos, este "Falete" americano se mantiene en la línea de componer un algo que me remueve bien adentro. No se lo que es, y es tan dificil de explicar como el concepto musical en sí de este hombre. No se lo que es, pero vuelve a engancharme. Dicen que hay algo mas de luz en sus composiciones, que es mas optimista, que ese cambio de portada con colores es una antesala a un nuevo concepto, pero yo sigo viendo el mismo estilo, y de eso precisamente me alegro. Expléndido al piano como siempre, y rodeado de importantes colaboraciones, Antony y sus Jhonsons siguen convenciendo, llenaran salas y salas a carísimos precios, pero señores, estos son los que deben de llenar, suene lo que suene, el talento y la sensibilidad que aqui se derrocha es única. Todo un festival de emociones.
Quizá la mayor virtud de los raps de Tote King sea la no indiferencia. Pese a que en T.O.T.E. el sevillano se dejo seducir por el lujo de los coches, los egos y las grupies, alejándose de las mil verdades que dijo en Un tipo cualquiera, disco que lo lanzó a la fama total, ahora el rapero ha decidido volver a esa formula. Dejar un poco de lado la experimentación de letras raras, resguardarse en una multinacional como EMI y asegurarse ventas de discos. Pero es que eso es lo dificil. Y ahi reside la virtud de este nuevo álbum. En volver a rapear sobre buenas bases, con una producción impecable (eso siempre existió) y rapeando versos reales, de los que pican, una especia de "si te das por aludido por algo sera". La lengua de Tote de nuevo va directa al ciudadano cotidiano, a sus defectos, a sus vicios, rascando sobre sus puntos débiles, reclamando el trono del triunfo personal con esfuerzo sobre el adquirido.
El lado oscuro de Gandhi representa la vuelta de un gran rapero, de los primeros MCs nacionales que se atrevieron a salir en sus directos con una banda, de un jóven cada vez mas maduro que guarda la métrica a la perfección, y que por mucho que veas actuar continua aportando algo nuevo. Hip Hop como estilo de vida. Y es de agradecer que haya dejado de lado algunas paranoias de ese T.O.T.E. para centrarse de nuevo es aquello que no te deja indiferente, en una crítica sobre muchos estilos de vida de cada uno de nosotros. Me sorprende gratamente la utilización de MMM MMM MMM MMM de Crash Test dummies como base para uno de los temas, es una de mis canciones favoritas, y con ella el Tote demuestra que es cierto cuando dice que escucha de todo, y queda al descubierto que se pueden hacer mezclas de estilos musicales sin cagarla hasta el fondo, que utilizar una canción como dios manda no es tan fácil. Ya me canso de ver a DJ destrozando clásicos, pero cosas así demuestran que la fórmula puede y es realmente eficaz si se hace bien. Gran trabajo de Tote King, el sevillano a vuelto a engancharme.
Esta vez si que todos los críticos tienen razón. La historia es la de siempre. Un grupo logra un éxito con sus dos primeros discos y a partir de ahi todo va mal. La crítica se ensaña con ellos de tal manera que a mi me da lástima seguir leyendo. Sin embargo las ventas se disparan. Para muchos críticos el cuarto disco de KOL Only by the night fue una bazofia. Para mi fue uno de los mejores. Cambiaron de estilo, claro esta, dejaron ese rock garage para hacer algo mas comercial, pero que tenia un toque hippy, algo post grounge de cierta modernez insólito hasta ahora. Resultado: 6.000.000 de copias, el doble que el último de U2, y estadios llenos.
No acepto la tendencia de la mayoria de gafapastas cuando un grupo se consolida. No paso por que los últimos discos de Franz Ferdinand o Artic Monkeys son una mierda. Tampoco por decir que el concierto del otro dia de U2 en San Sebastian fue "lamentable, llevado a cabo por músicos mediocres". Lo mejor es no leerlo, lo se, pero estan por todos sitios. Son una plaga. Así que intentando ser objetivos, y dando mi mas humilde opinión, que para sirve esto, y hago esta aclaración por que un tipo me dijo el otro dia en un foro que no habia que dar opinión, solo ser objetivo, y yo me pregunto, ¿entonces por que se llama articulo de opinión? Esto no es un periodico, donde por cierto, se puede encontrar mucha mas subjetividad que aqui. Yo no voy ha decir que KOL la han cagado. No me parece un disco tan malo. Mas bien normalito. Se salvan algunas melodias y la intensidad de la voz de su lider rescatan al aprobado justito el quinto album de la familia Leon. Esta muy lejos de los inicios del grupo, el concepto es distinto. El anterior disco me hacia recordar, salvando las diferencias, a unos Pearl Jam evolucionados a lo cool, pero este ha sido el siguiente paso a la mas pura comercialidad. Y eso que yo soy de los que piensan que lo comercial no es contratio de ser malo. KOL se han visto cómodos convirtiendose en un grupo de estadio, vendiendo en pleno año 2010 millones de discos, cosa dificil, pero se han olvidado de que todo eso lo han conseguido gracias a sus origenes, y que evolucionar en algunos momentos es bueno, pero que ho hay que sobrepasarse. En definitiva Come Around Sundown es lento, aburrido y monótono. Parece diseñado para aprovechar el tirón, con demasiadas prisas, sin pulir. No hay ningún hit, y las mejores tracks podrían ser de las normalitas de su anterior éxito. Lo escucho y no me disgusta, pero tampoco me dice nada. Me cansaré de él y seguramente nunca lo rescataré. Sin embargo a mi es un disco que me viene muy bien para la clnica, asi de fondo... casi siempre puedo sacar algo positivo de cualquier cosa.
Mucho se disfruta en los directos de virtuosos de la guitarra como Ben Harper, el señor Jack White o el museniano Bellamy por nombrar algunos. Sin embargo existe un (o dos) escalón (es) mas. Hay todavía una primera división, y si la primera división del fútbol se apoda BBVA, la de la guitarra tiene nombre propio: Paco de Lucia. Pero esto hay q demostrarlo. Con un curriculo envidiable entre el que destaca un premio Principe Asturias de las artes, o la consideración de su guitarra como Patrimonio de la humanidad, Paco de Lucia se disponía el pasado viernes a estrenar los acontecimientos musicales de las fiestas del Pilar. Un abarrotado auditorio con 2000 personas se fundia en aplausos ante la timida presencia del maestro de la guitarra. Un solo de diez minutos inauguró las casi 3 horas de concierto que este señor de 63 años aguanto como un auténtico jabato. Bien acompañado por una caja, un bajo, su sobrino a la guitarra, dos cantaores, un pordigio al organo y la harmónica y un Farruco al baile, Paco de Lucia no dejo de exhibirse en ningún momento, haciendo que el respetable rompiera sus manos a aplaudir en unas ovaciones que encogían el estómago. La sala Mozart es especial, no solo por su belleza, sino por su acústica. Una de las mejores del mundo esta considerada, y Paco de Lucio aprovechó el momento para grabar el concierto en lo que será un nuevo disco en directo. Así que habia que emplearse a fondo. Cuando ves a Paco de Lucia no solamente alucinas, sino que su humildad, serenidad y tranquilidad te dan la impresión de que no solo es el mejor, sino que no necesita ni despeinarse para demostrarlo. No se cuantas melodias a la vez salian de esas 6 cuerdas ante la caida de baba de los 2000 presentes. El genio, que ha sabido mezclar Jazz, especialmente con exhibiciones al bajo de su compañero, entre otros generos, es la mejor representación del flamenco a nivel mundial. Cada uno de los 8 componentes tubo su momento. Momento que aprovecharon para impresionar al personal. Especiialmente los 35 minutos de baile que el hermano de Farruquito, el farruco, aprovecho para trasportar al público a un mundo de taconeo realmente impresionante, haciendo gala de una increible elegancia. Los 8 se han entregado lo máximo. El sentimiento y la emoción que cada uno aporto al show es lo que mantiene a Paco de Lucia en el punto de mira mundial, alabado y aclamado allá por donde pasa, el maestro ha sido capaz de llevar el falmenco a todos los rincones del mundo, ha sido capaz de mezclar flamenco con otros estilos, aunar la caja y el bajo al género y lo mas importante, hacerte disfrutar de la guitarra como nadie puede hacerlo.
Cuarto disco de estudio de los galeses en esta década, y tan solo un año despues de Journal for plague lovers. Es gratificante ver como algunas bandas siempre publican cosas interesantes. Es el caso de los Manics, que pese a sufrir un cambio en su sonido mas que evidente, mantienen un nivel exquisito en sus discos. Hubo un pequeño bajón a comienzos de este siglo, consecuencia precisamente de ese cambio que abandono un rock mas agresivo, claro esta, tras la muerte de su lider, por algo mas meloso y digestivo. Sin embargo los Manics han ido creciendo tras esta nueva identidad poco a poco, y puede que este Postcards from a young men sea una confirmación mas de una carrera envidiable. Nunca he pensado que un disco de esta banda sea malo, siempre me ha sorprendido incluso con sus cambios de sonido, y siempre para bien. No quiero decir que ahora sean mejores que antes, solo que tras 25 años de formación parir un disco de este nivel, y que sea uno tras otro, y pese a una evolución marcada por la falta de su componente mas creativo es realmente gratificante.
Postcards from a young man vuelve a sacar el poder guitarrero de la banda y sus estribillos pegadizos, un tanto light, un tanto de radiofórmula, pero con una efectividad abrumadora. Manic Street Preachers estan muy vivos, y de seguir así, quizá deberiamos empezar a encasillarlos en un grupo de estadio, o almenos, su música merece ser de estadio. Divertidos, reflexivos, pegadizos y en forma. Así se presentan los Manics una vez mas. Ojala continuen asi 25 años mas.
Me encanta Phil Collins. No puedo sacarle el jugo que le saca Patrick Bateman en el gran film American Psycho, pero disfruto de los muchos éxitos de Collins. Phil Collins abandonó los escenarios para siempre hace 5 años, y desde entonces no se había publicado ningún nuevo material del artista. Para su regreso, de momento firme en su decisión de formato cd y nada de en vivo, el artista ha optado por una recopilación de temas sesenteros, la mayoria del sello Motown. Esta semana ha estado en España para presentar su nuevo álbum, Going back.
Este disco no aporta nada nuevo, es mas, la maniobra de versionar clásicos soul ya ha sido utilizada por muchos otros, y muchas veces con éxito, como ha hecho Rod Stewart o Barry Manilow. Sin embargo la voz de Collins se hace intensa y melancólica como pocas al son de grandes temas de gente como The Supremes, Marvin Gaye, Sam Cooke, Curtis Mayfield, The Temptations, The Four Tops o The Ronettes. La portada del disco no miente, un jovencísimo Collins con unas baquetas son el prefacio a 18 temas repletos de sentimiento, un viaje a los 60, una época que el propio artista reconoce como la mas creativa de la historia de la música. Y puede que tenga razón, Rolling Stones, Beatles, Dylan o Springsteen se puedieron mezclar en el ambiente juntos por primera vez. Y aunque yo defiendo el rock actual, y creo que hay muchos y grandes grupos actuales, la tendencia músical actual quizá difiera mucho de una década como los 60. El bueno de Guetta visitará las fiestas del Pilar en una semana y se ha montado una auténtica revolución, miles y miles de jóvenes ya tienen su entrada en la mano, y sin embargo para la visita de Leonard Cohen hace justo un año escasas 3000 personas se hicieron eco de la noticia. Buf!, este comentario me hace sentir muy pasado de moda. Cambiomoslo por 5000 en el show de Franz Ferdinand, o las pocas entradas que para este mismo Pilar esta consiguiendo vender Axl Rose. ¿Sigo pasado de moda? Ya ni lo se. En cualquier caso da igual. Claro esta que todo esto difiere en sonoridad, pero ¿difiere en creatividad?. Para contestar esto, y sin meterme en discursiones, Collins dice que durante la última gala de los Awars escucho mucha música, pero pocas canciones. "Yo no digo que Lady Gaga sea mala, simplemente no me dice nada". ¿Una opinión mas? Sí, esta claro, pero de un hombre que ha vendido mas de 100 millones de discos, y que se atreve a decir que su música es como el McDonalls, que "probablemente su comida no sea buena, pero todo el mundo quiere comerla. Hay momentos en los que siempre apetece un BigMac".
Collins grabó este disco con las baquetas atadas a sus manos debido a un temblor de origen nervioso que le impedia sostenerlas, grabó este disco por que lo necesitaba, su melancolía, su nostalgia y su sentimiento estan presentes en cada tema. Collins nunca dejó de componer y aunque no lo veamos en directo, estas 18 canciones nos devuleven a un genio musical, que si bien es cierto que esta vez no aporta nada novedoso, ofrece una lección musical con vista atrás, rescatando una década cargada de creatividad, una década que probablmente fue el motor musical del rock and roll.
The Goo Goo Dolls es uno de los grupos de mi juventud. Si, de mi juventud. 10 años han pasado desde que uno de mis mejores amigos me dejara Dizzy up the girl, por aquel entonces el quinto álbum de los de Buffalo. Así que ante tan buenos recuerdos y tantas horas de escucha en lo que fué y siempre será mi casa, Galicia, y mi familia de amigos, este grupo que ellos mismos llegaron a autodenominarse como "el grupo mas conocido de los desconocidos" me hace un tilín especial. Pero sin entrar en sentimentalismos, Goo Goo Dolls son grandes por sus melodias, su rock fresco y cotidiano con algunas de las canciones mas interesantes que se firmaron a finales de los 90 y principios del 00, ese punto de inflexión que para muchos críticos cambio el rumbo de la música otra banda yanki, The Strokes. Todos los discos de Goo Goo Dolls son joyas, y ahora, Something for the rest of us supone el ya noveno álbum en 23 años de historia. Para esta ocasión no encontrarás grandes hits, ni clásicos al estilo Iris, Slide, Black Ballon o Broadway. Dios mio, cada vez que pienso en esos dos discos, Dizzy up the girl (1998) y Gutterflowers (2004) me estremezco. Cuantas horas y cuantas escuchas. Ese corriente de hit post - adolescente ha quedado atrás. Parece que GGD quiere seguir encandilando a un público que va envejeciendo con ellos, y ahora apuestan por un rock mas adulto, mas monótono, tambien es verdad, pero con una delicadeza y un interés que para muchos de sus seguidores va a despertar mas de una sonrisa. Me encantaría ver a este grupo en directo, quizá 23 años despúes de su nacimiento la creación de un disco de rock adulto los traiga de gira a nuestro país, y en tal caso, no seré yo quien vaya a perderselo. Siempre bienbenidos GGD.
A la tercera va la vencida. Siempre había visto a U2 en la grada. Una vez en el Nou camp incluso me lleve prismáticos. Después del visionado de cientos de conciertos de todas las épocas de U2 y de esos dos magníficos directos, siempre pasaron por mi cabeza los deseos de saber cuando tendría la oportunidad de estar en plena masa, en esas primeras y agobiantes filas donde un concierto poco tiene q ver con el visionado del mismo desde otras zonas mas alejadas. El problema es que U2 es capaz de congregar en la cola a fans durante dos noches para coger esas filas, algo a lo que yo no estaba dispuesto. O eso, o pagar 400 euros por una entrada en la Red Zone, espacio habilitado para pijos de papa que la primera vez que oyeron las palabras U2 quizá pensaran que "eso" era una marca de lavadoras. Sin embargo no ha sido necesario mucho esfuerzo para que por fín esa idea se hiciera realidad. A las 13:00 horas Anibal, Esteban, Suñen y yo nos colocábamos en una escasa cola que nos hacia soñar con colocarnos cerca del púlpito. SIn embargo no podíamos imaginar que esa cercanía iba a ser tanta, escasos 4 metros nos separaban de la pasarela de Bono y los suyos, un punto desde el que miraba a esos elegantes "cuellos altos" quizá jurar en hebreo por haber pagado 300 euros mas que yo por ver lo mismo. No siempre se tiene suerte. Pero esta vez la hubo. Pero a lo nuestro, que cada uno gasta su dinero en lo que quiere (o el de otros). The craw, la garra, como se le llama al enorme escenario de U2 estaba ahí plantado, sobresaliendo por encima del estadio y ahora estabamos debajo. La primera vez que vi a The Craw me dejo frio. Demasiado grande quizá. En el DVD 360º TOUR pasa lo mismo. Es tan grande que no se pueden recoger los pequeños detalles. Parece que vas a ver a U2 por su escenario, y eso eclipsa la calidad del directo, la intensidad de Bono e incluso un repertorio que muy criticablemente suele ser socio - político. Que por otra parte no se que tiene de malo. Eso entre otras muchas cosas.
Interpol dio el frio paso del telonero, esos desamparados que tocan con la mitad de watios y la mitad de luz. Fueron correctos, desplegaron todo su guitarreo con sus dosis newyorkinas de rock alternativo, la grabe voz de su cantante a lo Ian Curtis y un sonido mas que correcto. Y así, puntuales, y tras una cuenta atrás marcada por un enorme reloj proyectado en las 54 toneladas de pantalla gigante U2 saltan a escena al son de Return of the stingray guitar, un tema instrumental con el que Bono se paseo interaccionando con todo el público y pidiendo mas y mas fiesta. Bono sabe lo quiere la gente, y no se si fue por la cercania en metros al grupo o por que, pero me pareció ver a un Bono incluso mas motivado de lo normal. Puede que fuera la ciudad, San Sebastian, una ciudad que el mismo definió como mística al inicio del show, y como un beautiful beautiful beautiful place al final. Sea como fuere, lo que fue beutiful fue el segundo tema, Beautiful day, al que le siguió I will follow, de lo mejor de la noche, Get on your boots y Magnificent. 4 majestuosas canciones con las que la banda deja claro que aquí se viene a disfrutar. Sonaron a lo largo del show clásicos ya himnos del R&R como Mysterious ways, Elevation, Until the end of the world, I still haven... o incluso Sapanish Eyes. Todo acompañado de un espectáculo de imagen y sonido a la altura solo de U2, haciendo gala de un montaje que lleva mas de un año rodando por el mundo del que ahora si, no falla nada. Momento también para interpretar Mercy, un tema nuevo que pinta mas que bien. Se rescató In a little while como ha sido constumbre durante todo el tour, y la tierna Miss Sarajevo, con homenaje a Pavarotti incluido. City of blingding light hizo casi casi hacer volar a toda la nave espacial para dejar a los 45000 asistentes boquiabiertos con la aperura de la inmensa pantalla, que llego a deplegarse desde sus 44 metros de altura hasta sus propias cabezas. Momento entonces para hacer gritar al público con Vertigo, una versión electrónica de Crazy tonight, sunday bloody sunday y Mlk. Todo una antesala para el tema político de la noche. La liberación de la lider Birmana, por la que Amnistia internacional lleva luchando 20 años. Imagenes de la misma y de la situación del pais proyectadas bajo Walk on y un improvisado You'll never walk alone con mas de 20 expontaneos sobre la pasarela portando unos cirios que proyectaban su luz hacia el cielo. Todo muy bonito. No entraré en debatir el politiqueo de Bono, eso de si esta bien, esta mal, le sirve para ganar dinero,por que no dona la mitad del concierto y chorradas varias de esas. Esto seria demasiado extenso y no llegaríamos a entendernos. Por lo menos ahora alguien sabe quien es esa mujer, y quizá le de por buscar Birmania en un mapa y leer algo sobre su pobre situación. Es algo mas de lo que han conseguirdo todos esos criticones gafapasta. Y así, la banda se despide antes del bis con dos clásicos, para muchos las dos mejores canciones de U2, One y When the streets...
Holkd me, thrill me, Kiss me, kill me, de la época mas psicodélica de Bono y los suyos se encarga de abrir el bis. Bono con su ya clásica chaqueta repleta de lasers y su micrófono en forma de volante que cuelga del cielo hizo las delicias de los aficionados mas próximos a esa época de la banda, y pese a que fue uno de los momentos de la noche, yo preferia Ultraviolet, el tema q antes se usaba para ese momento. Y tras ese extasis, U2 interpreta Whit or whitout you y Moment of surrender, dos temas de corte parecido que elevan una noche perfecta hasta la máxima épica.
Puede que la garra confunda a la gente, puede que la gente quiera ver a U2 por su garra... no lo se. Pero lo que no podemos olvidad es que U2 ofreció un show magistral, muy profesional, con un Bono hipermotivado que no deja ninguna duda de su recuperación de hernia discal y de su majestuoasa voz. Sin embargo, pese a todo, lo que sigue tirando del carro es la intensidad de los riffs de The Edge, que ejecuta cada tema como lo que es, un virtuoso de la guitarra del que todo el protagonismo marketiniano de la banda le resta comentarios. Ejecuta todo a la perfección, le da identidad a un sonido ya histórico, y participa en los coros de cada vez mejor. Ahora vendrán todos los comentarios criticones sobre la mentira que es U2 y todo eso. Que si premio nobel de la paz, que si I am ONE, que si fue que si vino. Todos se olvidan de aquel mítico Under the red Sky, y de su Sunday Bloody Sunday. U2 sigue haciendo lo que ha hecho simpre. Si quieres lo tomas y sino lo dejas. La música de U2 tiene un lema, su propuesta de show mucho mas, y nunca nadie, ni mucho menos la tendencia electrónica de todos estos grupos que esos mismos críticos alaban podrán ni siquiera rozar. Para mi, U2 hoy es fiel a su estilo, lo lleva siendodesde hace 34 años que se cumplieron justo un dia antes de este show según comento Bono, y sea con garra, o bajo el calor rojizo de unas rocas, esta música es mucho mas que música. Es un mensaje social de puro rock and roll.
Aunque se piensa que Radiohead fue el grupo pionero en las descargas gratuitas en pleno boom de la música digital a principios de este siglo, lo cierto es que algunos ya se le habian adelantado. Talib Kweli por ejemplo. Sin embargo es cierto que fueron los primeros en hacerlo dentro del mundillo rock alternativo, y fué la primera maniobra de uno de los grupos mas respetados de los últimos años en el mundillo de la red. En cualquier caso, sea como fuere, colgar tu musica en internet, y que cada uno pague por ella lo que crea que se merece es un acto original y por que no, lógico. Pues ahora la nueva propuesta de Radiohead es colgar un directo completo en http://radioheadprague.nataly.fr/Main.html , página habilitada para la ocasión. Puedes descargarlo en infinidad de formatos, incluyendo DVD PAL de mas de 7 GB. En definitiva un lujo. Para los que seguimos al grupo, no encontramos nada nuevo, el direto de esta gira basado en el álbum In riainbows y los cásicos de siempre, ya esta supervisto, pero para esta ocasión, las imagenes han sido tomadas de aficionados, todo mejorado y remasterizado con un sonido por fin, y precisamente aquí reside la importancia de esta noticia, decente. A la entrada del concierto se repartieron 50 camaras para que los aficionados realizaran su propia visión del concierto con la clara intención de difundirlo después. Radiohead sigue siendo pionero en propuestas que hacen mucho en pro de la música, en su difusión y por supuesto, en su propia autopromoción, si es que un grupo de esta altura la necesita. A esperas del nuevo trabajo del grupo que con un poco de suerte caerá a finales de este años, esto es un caramelito para un supuesta nueva gira 2011 que yo no pienso perderme. El grupo ha demostrado que prefiere evitar el cauce discográfico y probar con nuevas iniciativas a través de Internet que les permiten llegar por otra vía a sus seguidores.
Tan solo hace dos semanas que llevo escuchando The Surbubs y ya ni me planteo si este es un buen o mal disco. No me planteo si es mejor o peor que Funeral o Neon Bible. Ahora me planteo si Arcade Fire se puede convertir en uno de los mejores grupos de folk indie alternativos de la historia. Me planteo cual puede ser la proyección de esta cuadrilla de canadienses y de sus mil instrumentos. ¿Donde tendrá el techo Arcade Fire? Eso solo el tiempo lo dirá. De momento son número uno en USA y UK, cosa bastante dificil de conseguir, pero lo que aún es mas dificil de conseguir es ser número 2 en España. Curioso el caso. Esto nos da una idea de la repercusión de un grupo que ha crecido como la espuma, y que aunque algunos piensen que se haya visto beneficiado de esas listas de "los mejores discos de la década" donde Funeral, su disco debut, encabezaba muchas de ellas, estan equivocados. The Surburbs ha conseguido esto por que Arcade Fire es pura épica musical, sus melodias son melancolía y pomposidad a partes iguales, sus letras una mezcla de sentimientos y sus directos una inyección de intensidad y energia. Admiro profundamente Funeral, 11 canciones tremendamente acogedoras cargadas de musicalidad. Neon Bible mantuvo el listón, muy dignamente, mucho mas de lo que ahora muchos críticos dicen, y The Surburs confirma a los de Montreal como lo que son, los actuales reyes del indie - folk, alejados del sonido britpop, con una estructura de raza norteamericana arraigados a unas raices que van a convertirlos, y ya lo son, en un grupo de verdadero culto.
En The Surburbs hay una evolución. Se hace un disco mas lineal, sin grandes obras épicas, menos espectacular, no hay pepinazos a lo Wake up (lies), es mucho mas pacífico, menos melancólico pero mas optimista. Es un disco con un buen concepto, un bloque del que prácticamente no sobra nada, pero yo no soy tan de conceptos, o bien por que no los entiendo, o por que prefiero los tracks. Este disco dista bastante de Funeral, para muchos será mejor, para mi es algo inferior. sin embargo se disfruta mucho de AF en muchos momentos, de su intensidad, su potencial y por supuesto su calidad musical con un sinfín de instrumentos sonando a la vez.
Arcade Fire nos visitarán pronto. En septiembre gratis en Santiago por su año Xacabeo, y en noviembre pagando en Madrid y Barcelona. Yo ya tengo mis entradas, no pienso perderme al torbellino canadiense, unos AF que pueden llegar a situarse en el Olimpo de la historia musical.
Suma y sigue. Tras casi una década en el limbo, con el reflotar de los noventa a la vuelta de la esquina, y después de atravesar todos y cada uno de los miembros del grupo una fase de dudas e interrogantes, Stone Temple Pilots han reverdecido con las pilas bien cargadas. Con una ristra de hasta seis álbumes, todos ellos notables, los de San Diego han puesto otra piedra más en su carrera para así edificar su propio castillo. Con un álbum que afortunadamente suena fresco y actual. Lejos de sonar desfasado ni fuera de tiempo, Scott Weiland canta como lo que es, un vocalista diferente y con un timbre reconocible a la primera. Más pop si cabe, aquí daremos con retazos glam, con un sonido más clásico, influencias de The Beatles en el medio tiempo “Dare If You Dare”, con la sombra de un David Bowie que siempre planea en su música, e incluso Led Zeppelin (escucha la guitarra solista en “Hickory Dichotomy” para percatarte de esa cercanía en el sonido). “Between The Lines” es otro tema más a sumar a su larga lista de singles memorables, “Cinnamon” también se postula como tal con un estribillo irresistible, para un disco que recupera a una banda renovada que sigue vigente en pleno 2010. Y que, dicho sea de paso, es toda una hazaña.
40 aniversario del festival mas emblemático del Reino Unido, y para celebrarlo un cartel que da vértigo, y que en principio contaba con U2 como cabeza a un sinfín de magníficas bandas. La reciente lesión de espalada de Bono les ha impedido estar presentes, y en su lugar Gorillaz en otro magnifico show hizo de cabeza de cartel para ese dia. Tanto el show de Muse como el de Gorillaz ya están disponibles en HD en varios servidores. Apurar si queréis verlos. Ya hice una crónica sobre el directo de Muse en su reciente visita a España. Se puede leer en mi antiguo fotolog ( http://www.fotolog.com/nax_roll/48814428 ). Yo por aquel entonces me quede tan flipado con la calidad musical de Muse que le otorgue un 5 estrellas sin pensarlo. Cualquier cosa que dije en esa crónica la mantengo, y mas después de ver este impresionante show. Muse ya extreno la pirámide del Glastonbury e incluso grabo un DVD que salio a la venta de esa actuación. Pero ahora se respira de otra manera. Después de lograr dar una gira de estadios, la pregunta es sencilla, ¿se ha convertido Muse en el mejor grupo Rock del Siglo XXI? Para gustos colores, pero lo que si que esta claro es que solo Muse tiene este poder de concentración, solo las épicas y desvariadas melodías del genio Bellamy son capaces de hacer de la música un arte tan apasionante, y además, de una manera tan sobrada. El dominio vocal e instrumental de Bellamy es digno de estudio. Sobre este concierto poco mas que opiniar, un 10 como siempre, incluso invitando a The Edge al escenario para interpretar When the street have no name, canción emblema del grupo irlandes donde se pudo ver al guitarrista bastante mas activo de lo que nos tiene acostumbrados en U2. Un bonito gesto para un Bono que hubiera disfrutado de esta masa de gente como nadie.
Y sí, Muse es el mejor grupo Rock del siglo XXI, y este fin de semana lo requeteconfirmo en Glastonbury. Ha crecido como ningún otro, la intensidad de sus directos es escpectacular, y Matt Bellamy me atrevería a decir que es uno de los mejores interpretes y compositor rock de las últimas décadas.
